當代藝術 – Page 11 – 炮台山畫班 Nature Art Workshop 繪畫班

A Beautiful girl by Michael Andrew Law

Beautiful is a girl who has a distinctive personality, one who can laugh at anything, including themselves, who is especially kind and caring to others. She is a girl who above all else knows the value of having fun, and not taking life too seriously. She is a woman that you can trust and count on to…

Michael Andrew Law and his contemporary art

The most important componant within Contemporary art practice, is that it continually engages matters and issues that are presently affecting the world. Cloning, politics, economics, gender issues, human rights, or perhaps even the high price of bread being sold locally. Contemporary art operates in multiple formats, media, and is in synthesis with global, political, socio-cultural…

安迪·沃荷 Andy Warhol vs Michael Andrew Law

–波普藝術領軍人物安迪·沃霍爾作品新探沃霍爾是波普藝術的倡導者。他在探索繪畫作品表現的可能性時，突破傳統手繪的單一模式，並以重複母題元素的風格表達大眾趣味特徵。筆者從圖像學的角度對其部分代表作品進行解讀，並從創作手法和創作主題上進行分析，得出沃霍爾引領的波普藝術運動是傳統美術和現代設計觀念和形式轉變的紐帶，沃霍爾在波普藝術中的革新、開拓促進了現代藝術的多元化和互融性發展。 [關鍵詞] 安迪·沃霍爾；波普藝術；重複；色調分離 1.波普藝術背景波普藝術來源於英文縮寫”POP”，即流行藝術、大眾藝術。它於20世紀50年代最初萌發於保守的英國藝術界，60年代鼎盛於具有濃烈商業氣息的美國，並深深紮根於美國的商業文明。工業化時代，人們聚集於現代都市，商賈雲集，城市的廣告、雜誌、電視、卡通漫畫等等宣傳造就了波普藝術的問世，美國波普藝術家遵從”藝術應反映日常生活，日常生活應表現在藝術之中”這一反傳統的藝術觀念，他們強調日常可視物體作為一種更能讓人理解的語言形式，是表現抽象精神世界的可靠手段。 [1]（P.1-2）波普時期的美國藝術家直接面對他們的日常生活和環境，在探索藝術表現的可能性時，比起英國同行們更大膽、更熱情。從藝術發展的進程看，它是對上世紀50年代佔統治地位的抽象表現主義的精英觀念做出的回應。抽象表現主義以其個人化、主觀性、精神性成為貴族藝術而高高在上，只能在藝術界獲得認同。波普藝術家則不斷嘗試反映當時工業化和商業化特徵的新材料、新主題和新形式，表達日常生活中司空見慣的事物和流行文化而獲得了大眾普遍接受。波普藝術運動是傳統藝術的延續和發展，它打破了傳統架上繪畫的方式，通過借助運用大量的現代科技傳播手段，確保強大的生產力和高效的傳播速度。由於波普藝術產生的背景與戰後形成的西方”豐裕社會”有關，這場運動基本是在形式主義圈子裡探索，沒有系統理論做指導。 [2]（P.223）波普藝術是20世紀最有影響的藝術運動之一，也是20世紀唯一獲得普遍接受的藝術流派。在這場藝術運動中，沃霍爾一馬當先，成績斐然。他被視為波普藝術最傑出的代表人物和最有革命性的藝術家，和杜尚（Marcel Duchamp）、博伊於斯（Joseph Beuys）、克萊因（Yves Klein）並稱為20世紀後半葉對世界藝術貢獻最大的四位藝術家。 [1]（P.3） 2.安迪·沃霍爾簡介安迪·沃霍爾（Andy Warhol，1928－1987）是波普藝術的倡導者，也是對波普藝術影響最大的藝術家。他出生於美國賓夕法尼亞州的匹斯堡，是捷克移民的後裔。沃霍爾從小酷愛繪畫，曾在卡耐基技術學院（Carnegie Institute of Technology）學習。 1949年（21歲）他離開匹斯堡去紐約尋找發跡機會，他明白要在美國的視覺藝術上獲得成就，就必須讓人們看到他知道他的存在，大眾傳媒給了他許多啟示。 1952年（24歲）他在紐約以商業廣告繪畫初獲成功逐漸成為著名的商業設計師，他設計過賀卡、櫥窗展示、商業廣告插圖，這些經歷決定了他的作品具有商業化傾向的風格。 1954年（26歲），沃霍爾首次獲得美國平面設計學會傑出成就獎。 1956年（28歲）和1957年（29歲）他連續獲得藝術指導人俱樂部的獨特成就獎和最高成就獎。 20世紀60年代，他開始以日常物品為作品的表現題材來反映美國的現實生活，他喜歡完全取消藝術創作的手工操作，經常直接的將美鈔、罐頭盒、垃圾及名人照片一起貼在畫布上，打破了高雅與通俗的界限。沃霍爾除了是波普藝術的領袖人物，他還是電影製片人、作家、搖滾樂作曲者、出版商，是紐約社交界、藝術界大紅大紫的明星式藝術家。沃霍爾的作品沒有歐洲設計師那麼觀念化、哲學化、個人化，他的作品風格體現出了：實用主義、商業主義、多元化、幽默性。 ”每個人都能當上15分鐘的名人”，這是安迪·沃霍爾留給媒體時代最樂觀的寓言，但以其對當今藝術的巨大影響而言，他自己的15分鐘還遠未結束，無論是當時他所處的時代還是現在，對於美國還是世界，安迪·沃霍爾都是個傳奇人物。 3.安迪·沃霍爾作品特徵解讀沃霍爾作品的內容與美國社會的消費主義、商業主義和名人崇拜緊密相連，是針對消費社會、大眾文化和傳播媒介的產物。在沃霍爾的作品創作中，由於他選用題材和創作內容的廣泛，作品開始突破以往單一模式，體現出強烈的創新精神。其最為明顯的特徵就是機器生產式的複制，完全相同的主題元素或者不同色相的主題元素在同一個作品中不斷重複出現。沃霍爾擅長繪畫、印刷、攝影之間的跨越使用，不斷利用傳媒而重複傳媒，他大膽嘗試凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技術、照片投影等各種複制技法。他對新媒介的關注，為其設計找到一個契入口並逐漸轉化為與多元媒體設計的完美結合。我們可以從以下幾個方面來分析其作品特徵： 3.1 用熱點傳播符號表達流行文化蘇珊·朗格說：”符號最主要的功能–將經驗形式化並通過這種形式將經驗客觀呈現以供人們參照、邏輯直覺、認識和理解。”沃霍爾善於以藝術家的敏銳視角捕捉流行符號，準確地從過量的超負荷的宣傳文化中把握美國社會和生活中某些永久性的東西。他經常使用媒介與繪畫結合，通過大量重複母題元素客觀表達大眾熟悉的形象符號，符號的對像在形式上直接訴諸感知。這些符號承載著工業化時代的人類精神風貌、價值觀念、情感理智等一切信息反饋的綜合。《毛澤東在1972》是沃霍爾肖像題材的代表作，上個世紀70年代，美國媒體上開始出現中國開國領袖毛澤東的頭像及相關報導，沃霍爾以藝術家的敏銳嗅到一向對立僵硬的中美關係有所緩和，這個時期他大膽地創作了許多以毛澤東頭像為題材的作品，取之於媒體的毛澤東肖像開始廣泛地與不同媒材結合產生不同形式的作品，不久中美果真建立了外交關係。《米老鼠》則是沃霍爾從精神消費文化中捕捉到的流行符號。他對媒介文化的關注為大眾提供了一種觀察傳播現象的手段和方式，從實踐上詮釋了符號學對於傳播現象及媒介文化的某些觀點和論述。這種以工業方式的大批量生產、複製而成的藝術品，已不再是過去那種傳統的文化形式，它是文化與經濟聯袂的複合體。因此以沃霍爾為代表的波普藝術折射出的消費文化，是以市場需求為導向的。它在引起大眾物質慾望無限膨脹的同時，也潛在地表達了他們內心的真實需要和文化追求的失落。沃霍爾的作品直接受到了符號學派的影響，與符號學有千絲萬縷的聯繫，他的作品也大大豐富符號學研究的視野和領域。 3.2 重複構成產生的拓展延伸在沃霍爾作品中，許多完全相同或略作改變的形像被絕對精細和均勻地排列在畫面中，它引導觀眾以點過渡到線、以線過渡到面系列性的方式去欣賞作品，我們可以感覺到他無意去表達對象的原始性和本真性，他關注對象自身系列的呈現方式。在圖4《坎貝爾湯罐頭》和圖5《二百一十個可口可樂瓶》中，當幾個、數十個、乃至上百個形狀、色彩、大小、方向、肌理完全相同的形象排列在一起的時候，人們就不會再去關注對象背後的意義，而全然被相同視覺符號組成的畫面而產生的強烈視覺衝擊力所吸引。這種重複構成展現了一種反常或變異的體驗，達到一種隱去單一母題的表現效果。而作品本身反映了機器複製時代和消費社會的一個典型特徵–通過不斷的重複陣列呈現，平淡轉化為神奇，粗俗也變為典雅。重複構成加強給人的印象，造成有規律的節奏感，使畫面統一。在欣賞沃霍爾作品時，觀眾有意無意會觸及到重複和差異、整體與個體之間的聯繫，體驗著作品所蘊涵的色彩、質感、韻律上的形式美感以及視覺上的拓展和延伸。沃霍爾把作品主題推廣到一切已經存在的事物上，在每一個永恆的瞬間不加拒絕地容納了一切在質上並不相同的事物。教室裡排列整齊的課桌、椅子，做操的同一個動作，牆上的磚，布上的圖案、貨架上的產品以及書店裡陳列整齊的書本等都具有連續發展的反复，並呈現出視覺上的拓展和延伸。沃霍爾看似漫不經心的選用日常生活中普通元素作為創作主題，其實正是挖掘出它們具有的共同特點–重複。沃霍爾用獨到的表達方式詮釋了當時西方社會人們的精神風貌、價值觀念等一切信息。他改變的不僅是作品的形式，也是一種觀念。 3.3 色調的分離 “熱門的”題材、”歸納的”色彩是沃霍爾作品的鮮明特徵。在沃霍爾作品中，絲網印刷是他常用的完成作品的手段，而通過整體和部分之間關係的相對簡化而達到的色調分離則是他表達主題的常用方式。他把每一件作品都分離概括成不同的色彩層次，這些色彩層次又形成一個等級排列，而不同的等級層次又形成一個或幾個嚴整形式構成的核心，加上對背景進行單色調處理，所以整個構架具有”完美性質”–不能再增加也不能再減少。 [5]（P.93－95）沃霍爾通常選擇已經被大眾傳播媒介定型、被公眾普遍接受了的偶像或者政治人物作為肖像作品的創作題材，並且絕大部分的題材並不是根據自己對對象的觀察、了解、認識的基礎上創作的，而是依據報刊、電影劇照或者招貼畫等大眾媒介上的圖片完成的。在肖像題材代表作圖6《瑪麗蓮·夢露》和圖7《毛澤東》中，由於沿用了絲網印刷的技術，作品中筆觸完全消失，色塊雖然對比強烈，但是經過精心的色調分離後完全略化了色彩之間的微妙變化，複雜的色彩通過高度的概括、取捨、歸納而變得簡練，體現出他用色用形的果斷。沃霍爾完全避免個人情感和傳統藝術對於作品所傳達信息的依賴，只是利用傳媒重複傳媒，神秘模糊的表象和符號被冷靜、理性地呈現出來，一種毫無深度感和異乎尋常的平面化構成了沃霍爾作品的基本形式特徵，傳統西方繪畫形式語言在他的作品中幾乎完全失去了作用。這種獨特的簡化分離的表現形式和改變傳統的創新思路，積極地引領了波普藝術的內在美學觀念和意識形態內容的潮流。 3.4 運用重疊的”圖底”建立空間在沃霍爾的晚期作品中，作品風格開始從毫無縱深感的平面轉向用重疊的基本形做圖底來建立空間。他把相同的主題圖形通過互相重疊組合成連續性、系列性的圖底關係，這種系列就像一層層台階，引導觀眾的眼睛從最前面看到最後面，因此產生空間縱深感。重疊圖底法使形式關係在一個更加統一的式樣之內集中，並使這些關係得到控制和加強。 [5]（P.332）在他唯一以歷史人物為題材的最後系列遺作圖8《安徒生》中，同一個平面裡，沃霍爾除了對主題人物安徒生進行色彩的分離簡化，還對它進行了主題圖形重疊的圖底處理，由此產生一種近實遠虛的空間感，這有別於傳統塑造空間的方式。沃霍爾運用這種戲劇性的手法，通過對部分被掩蓋的主題基底單元形的削弱來突出強調前面的主題圖形，對事物之間的聯繫做出了新的詮釋。設計在線.中國 4.結語–重複的拓展延伸沃霍爾擅長從過量的宣傳文化中捕捉到流行符號，並對其借用和再創造來傳達信息和吸引觀眾。他的作品以重複母題元素為主要風格，相同的元素在平面上的不斷重複排列會產生視覺上的拓展延伸，在空間上的圖底重疊會產生縱深感，從平面到空間處處傳達著一種突出大眾趣味的共性特徵。在題材上，沃霍爾廣泛地將日常生活中的物體、景像都帶進了藝術，把原本高高在上的價值觀念拉下來，使之與日常生活更加貼近；在形式語言上，重複構成是他獨特的表現風格，運用商業絲網印刷打破了一般人對”畫家親筆繪製才算藝術”的傳統觀念，並利用日益咄咄逼人的大眾媒界作為載體逐漸消融了藝術與生活的界限；在內涵上，打破了藝術和日常生活的隔閡，以及一切傳統的審美觀念，對事物的存在不再做價值區別，作品不再是個性表現，而是體現廣泛的人類生活，具有社會性和大眾化特徵。藝術是生活的藝術，生活是藝術的生活。藝術形式與自然界的生命形式具有同構性，沃霍爾用獨到的表達方式詮釋了當時工業化大批量生產的背景下，西方社會中成長起來的青年一代的文化觀、消費觀及其反傳統的思想意識和審美趣味。以沃霍爾為代表的波普藝術家通過廣泛的藝術探索改變了世人評價世界、生活和藝術的方式，並以此證明生活和藝術沒有高低貴賤之分，藝術不再是少數人享用，而屬於普通大眾，並逐漸以新的方式從為權貴服務轉向為民眾服務的民主化進程。可以說沃霍爾在波普藝術中的開拓和革新對於現代藝術的多樣化和互融性起了積極的引導作用。沃霍爾作品中所內含的一切意義並非完全來自其題材和表現對象乃至形式本身，它們更多地源出於其技法和操作過程。如鮑德里亞指出的，“雖然在波普以前的一切藝術都基於對世界的深度意識之上，波普藝術卻聲稱要成為內在符號秩序的等同物——成為工業和系列產品的等同物，因而具有整個環境的人工和製造特徵。”在這方面，沃霍爾也較所有其他波普藝術家走的更遠。其運用的一系列創作技巧和操作方法表明他可能比其同時代人更為明確地意識到並完整展現出“機械複製時代的藝術”的含義，不管它是指本雅明所稱許的作為政治實踐的解放作用，還是阿多諾與霍克海默所批判的作為“文化工業”製品的物化作用。 1963年，沃霍爾發表了一段令人吃驚的談話，其中提到”繪畫太費勁。我想呈現的東西是機械的。機器就沒有什麼問題了。我願意成為一部機器。”較之沃霍爾的其他驚人之語。它更為準確地指明了理解沃霍爾創作意義的途徑。在沃霍爾的創作方法中，機器生產式的複制顯然是最為明顯的特徵。在50年代進行商業藝術創作時，沃霍爾就不斷地嘗試各種複制技法，如凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技術、照片投影複製等等。其中，所謂塗染技法（Blotted line）是其早年創作中最值得注意的。塗染技法實際上是最為簡單的一種單印版畫，類似於凸版印刷。運用這種類似模版的方法，同一張素描可以使用多次。它不但可以加快創作過程，而且其產生的獨特效果特別是那淡淡的、纖細和部分斷裂的線條，可以使作品本身看上去更像複製品。更重要的是，面對這樣繪製出的作品，人們既無法辨認出其到底出自誰手（畫家本人還是其助手），也無法分辨出哪一張是原本。其實，在沃霍爾那裡，所謂原本實際也可以是印製出來的。 1963年，大約在沃霍爾進入純藝術領域的同時，其開始運用絲網印刷法（Silk…

Karl Lagerfeld by 香港當代藝術家 Michael Andrew Law

卡爾·拉格菲爾德 Karl Lagerfeld 被稱為時裝屆的“凱撒大帝”“老佛爺”，這位年逾古稀的設計師擁有幾倍於年輕人的精力，很多人都知道他是著名時裝品牌香奈兒的設計師，其實他還承擔了好幾個時裝品牌的設計監製工作，除此之外，他還是知名的攝影家和插畫家。他的知名度已經超越了時尚圈，幾乎可以與電影明星相提並論。這位老佛爺7月19號在柏林時裝週時尚之星獎(Elle Fashion Star Award)頒獎典禮上被授予終身成就即最高榮譽白金獎。不過這位74歲的設計師對於“終身成就”這幾個字卻並不認同。馬尾辨、高領襯衫、黑色太陽鏡，卡爾·拉格菲爾德以他標準的“拉氏”裝扮出現在頒獎典禮現場。卡爾一生獲得過無數的榮譽，在捧起終身成就獎的獎杯時，他還不忘幽默一把。 “終身成就?我還沒死呢，不至於那麼糟吧。我的意思是獲獎的感覺真好。” Copyright © Michael Andrew Law 2008 – 2014 Note:All Michael Andrew law artworks, names, images, likenesses, slogans, gestures, trademarks, logos and copyrights are the exclusive property of LAW CHEUK YUI and its subsidiaries. All other trademarks, logos and copyrights are the property of their respective owners. c…

美術學的基本研究

上世紀90年代初，中國的高等和美術研究機構中原有的“美術史及美術理論”專業被陸續改稱美術學，上世紀90年代中期國家有關部門又將美術學定為學一級學科下屬的與學、戲劇學等並列的一個二級學科。從那時起，美術學正式作為一個二級學科在中國誕生，並得到迅速的發展。美術學作為藝術學科的一個分支，涵蓋了視覺造型創作與美術史論研究的廣泛領域，是藝術學領域的支柱學科之一，在我國事業的建設和發展中起著重要的作用。遺憾的是，這個重要作用尚未引起普遍的認識，與發達國家比，美術學的地位和普及程度相差甚遠。美術學是人文科學的組成部分，是一門研究美術現象及其規律的科學，美術的演變過程、美術理論及美術批評均是它的主要內容。美術學要研究美術家、美術創作、美術鑑賞、美術活動等美術現象，同時也要研究美術思潮、造型、美術史學等。此外，美術學還要研究本身的歷史即美術學史，就像要研究哲學史一樣。美術學既可以運用自己特有的方法進行研究，也可以藉鑑哲學、美學、學、、文藝學的方法進行研究，因此對美術學的研究還可以同其他學科的研究結合起來，形成美術學研究的邊緣地帶或者形成新的交叉學科，例如美術社會學、美術心、美術學、美術信息學、美術學等等。這裡，“美術”二字的涵義有時會擴大到書法及攝影等造型藝術領域。通過這一界定，美術學的基本研究對象包括美術史、美術批評與美術理論，構成了對“美術”這一現象的研究，這在我國已經形成美術學的基本框架。然而遍覽歐美各地大學的學科設置，卻並不存在一個所謂的“美術學”的概念。至今還沒有與“美術學”對應的英文詞彙。歐美的美術史研究，且以德國為例分析，強調美術史本身的意義的派別影響最大。特別是潘諾夫斯基圖像學的研究方法成為美術史研究的主流，美術史鉅子貢布里希更將圖像學的觀點進一步推延到人科的其他領域等等。在此意義上，美術史實際上是藉美術的外殼，承載社會文化的歷史內容與含義。設在綜合性大學裡面的美術史學科，大都擁有獨立的系別。如美國哈佛大學，哥倫比亞大學，英國的劍橋大學，牛津大學這些知名大學均有美術史研究的專業。另外也有將考古與美術史並置的，如倫敦大學亞非學院就有名為“考古與中國藝術史”。美術理論，美術批評學科，常設在綜合性大學的哲學系美學專業。當然，也有一批藝術院校有美術理論專業。總之，國外還沒有一個可以能夠包含史、論、評含義的美術學概念。同時，也似乎不存在一個學科管理意義上的美術學。在中國古代美術文獻中，常常把畫評、畫史、畫論結合在一起進行探討。例如南齊謝赫的著名批評著作《古畫品錄》便是這種體例。謝赫在這部著作開頭，就對畫品即繪畫評論做出概括，“夫畫品者，蓋眾畫之優劣也”，接著對繪畫的功能和作用發表見解：“圖繪者，莫不明勸戒，著升沈，千載寂寥，披圖可覽。”這段話便是他的美術觀念和繪畫理論的表述。謝赫提出的繪畫六法，即品評繪畫的六條標準：氣韻生動、骨法用筆、應物象形、隨類賦彩、經營位置、傳移模寫。這六條標準成為此後繪畫批評中的根本原則，也成為我國古代美學理論的重要內容。由此可以看出批評理論和美術作品研究也可以進入史的範疇，中國古代畫論常將史和批評融匯其中。美術批評與美術史、美術理論是三個既有聯繫又有區別的學科，它們卻構成美術學的基本內容。美術批評學可以作為美術學的一個重要的分支加以研究，當然在批評學領域，美術批評學也可以作為批評學的一個分支，與文學批評學、音樂批評學等並列。美術批評運用一定的批評方法與原則，對美術作品的形式、、題材、內容、思想和風格進行品析、評判，揭示其價值，分析其優劣，或者對美術現象，美術思潮、美術流派、美術活動進行分析評價，揭示其內在規律和發展趨勢，這種活動就是美術批評或者叫美術評論。美術評論和當前的創作實踐活動聯繫比較緊密，批評家要參與美術活動，及時了解創作動向，推動創作活動的發展，美術批評家有時還可參與策劃美術展覽，組織創作研討等活動，因此美術批評也是一項操作性、現實性比較強的活動。而美術批評學則是從理論上批評規律，提出批評觀念、批評標準和方法，或者總結歷史上的批評成果，建立起理論形態的批評學科。美術史是由美術史家和歷史學家或考古學家對歷史發展過程中的美術作品、美術文獻、美術遺跡進行發掘、研究、探討，客觀地揭示美術發展的歷史過程和基本規律的科學。中國第一部比較系統的美術史著作是唐代美術史家張彥遠的《歷代名畫記》，它開創了撰述中國美術史先河。西方美術史學科的建立可以追溯到16世紀意大利畫家瓦薩里的《大藝術家傳》。這部書記錄意大利文藝復興時期的傑出畫家和雕家的生平、活動和創作，為後人研究文藝復興美術家提供了豐富的資料，該書首次出版於1550年。西方藝術史學科的真正建立應以18世紀德國藝術史家溫克爾曼出版《古代藝術史》作為標誌。這樣，中國的《歷代名畫記》早於瓦薩里約700年，早於溫克爾曼約900年。所以，中國美術史的學科建立實際上始於盛唐。美術理論是對美術問題的理論探討，通過對繪畫、雕塑、、工藝美術及設計藝術作品也可以包括書法及攝影的功能與作用、基本特徵、形式、結構、語言、風格及其中的規律和思想活動，揭示美術的普遍特點與規律。美術理論在狹義上主要是指美術基本原理，在廣義上則可以包括美術美學、美術哲學、美術心理學、美術社會學等內容，從某種意義上講美術批評理論也是美術理論的組成部分，但鑑於美術批評理論和美術評論活動相對的獨立性，因此美術批評和美術理論常常分成兩個相對獨立的學科進行探討。在對美術史的研究中，最重要的當然是客觀地揭示作品的創作年代、、作品的題材內容等，但當美術史家對其內容和形式進行探索時，也必然要與用一定的批評方法和藝術觀念及價值標準對作品做出評判，而在這一過程中，批評或明或暗地在起作用。固此美術史不可能完全離開美術批評。美術批評還是聯繫美學、美術理論與美術史、美術作品的橋樑。由此看來，美術批評與美術史、美術理論是緊密聯繫、相互促進的，三者成為美術學的基本內容。在經過以上的論述後，我們便可以知道《美術學博士生畢業論文文叢》這套選題的意義。這套書實際上是在檢閱著我國美術學研究的新水平，雖是博士生的成果，博士生的背後是導師。所以，這套書匯集的成果將包含著改革開放二十多年來的學術智慧。與美術學研究的以往成果比，這批論文在學科研究的廣度和深度上均有新的發展，相信對我國的美術學建設乃至整個美術事業的發展均有重要意義。美術不僅僅是賞心悅目的生活課題，還是博大精深的學術課題，它反映著的歷史積澱，也預示著民族文化的發展，它是一個民族文化狀況的標誌，也是一個民族精神狀況的標誌。榮寶齋出版社正是站在這個高度上去對待這一選題，希圖讓更多的讀者通過這一套書不僅了解美術包括東方和西方、古典和現代，也由此了解到中國文化的精神和人類的生存價值 . Copyright © Michael Andrew Law 2008 – 2014 Note:All Michael Andrew law artworks, names, images, likenesses, slogans, gestures, trademarks, logos and copyrights are the exclusive property of LAW CHEUK YUI and its subsidiaries. All other trademarks, logos and copyrights are the property of their…

藝術表現方法的教學方面

在藝術表現方法的教學方面，最根本的是喚起具有不同氣質、才能的學生富於個性的反應，以此來形成創造性氣氛，引導學生進行具有獨創性的創作。只有這樣的創作才是“真實”的。我們要求學生確定其內在的自信心，最終找到自己的方向。具有不同才能的學生對不同的表現方法很快地產生著不同的反應，他們從而向著不同的方向發展。有些人對於明暗之間對比的反應極為敏銳，而另一些人則對形體、節奏、色彩、比例和結構、肌理、空間維向或體積反應很快。因而，我們可以認定某一學生是“色彩”類型，另一學生則為“節奏”類型、“金屬”類型、“毛皮”類型，等等。但這些類型之間很少有非常明顯的分界。多種才能的綜合交錯，綜合在一起決定一個人的品質。通過運用這種指導學生使用表達媒介的方法，我們成功地把握了學生個人的潛在能力。因此，我們的教學方法主要是以如何實現自己的目標這一直覺作為基礎的，在教學方面，努力創造一種吸引力，讓學生對該課堂上提出的問題有充分的準備來進行觀察、探討。充滿熱情的教學與那種預想的、有條不紊的教學全然不同。表現最好的學生往往是那些在自己直覺的靈感激發下，標新立異、另闢蹊徑的學生。對示範稿進行表面而膚淺地模仿重複的人，則缺乏這種靈感的火花。教師成功地點燃學生內心中隱藏著的智慧之光是學生和教師關係中最有意義的時刻。當學生的想像和創造能力被解放和加強，技術實踐方面的要求，以及最終製作作品所需經費等因素才被引入到創作的過程中加以考慮。建築大師柯布西耶曾對其學生誠懇地教導：建築，它取決於源自一種特定的意識狀態的精神價值，也取決於能確保一個想法付諸實施的技術因素，進一步說，它取決於工作的強度、有效性及持久性。意識等於人生目的，等於人。技術，等於人與其所處環境之間關係的確定。技術源自學習，而意識，則源自強烈的情感。那是與自我抗爭的結果。 ③當學生天生的好奇心被喚醒，有了解決問題和解釋神秘事實的願望，探索新的可能性的想像力被激發出來時，教學工作就算達到了它的目標。在藝術材料學的教學中，教師有意識地把設計和本課程緊密聯結起來，在講解創作的過程中，強調設計的作用，讓課程可以充分發揮電腦動畫、數學圖形、設計創意，甚至實驗裝置、廣告製作、互動媒介的效果。如果新的觀念以一種新的藝術形式出現，材料的、感覺的、精神的、智慧的力量和能力也必須同樣而共同地產生作用。把一個富有個性的學生塑造成為具有全面而完整的創造能力的人，是我們教學的根本目標。三曾在包豪斯任教的伊頓教授認為：沒有一個人類的活動領域能像教學那樣，才能起著如此重要的作用。只有那些具有教育天才的教師，才會尊重和保護一個孩子天賦的難以形容、奇蹟般的能力。尊重人的能力應該貫穿於教學的自始至終。教育是一種大膽的探險，特別是藝術教育更是如此——因為它涉及人的創造精神。人的智慧，尤其是人天然的直覺智慧，筆者認為對一個真正的教育工作者來講是至關重要的財富，這個真正的教育工作者需要認識和發展他的學生們的天賦才能和氣質。一個教師如果只是依據權威們所製定的教學大綱，運用在師範學院中學到的方法來進行教學，這就好比一個只是根據藥方配藥的藥劑師，他從來也不可能成為真正的醫生。 ④在社會知識爆炸的今天，知識激增，使人們的傳統教育觀念發生著巨大的改變。教師的角色將不再以信息的傳播者或組織良好的知識體系的呈現為主，其主要職責應從教學生轉變為引導學生，並以培養學生獲取信息的能力作為最基本的能力。由於目前教學中某些硬件、軟件的限制，還無法進行大範圍的實驗，但提倡舉一反三，並在某些學習階段進行平面結合空間、裝置的專題研討和小型裝置作品的習作，是教學中的重要環節。在美術教學中，常會遇到“只可意會，不可言傳”的現象，在此情況下，僅靠抽象的語言，容易使學生畏難而退，思維抑制，甚至會喪失學習的信心。這時需要教師以直接而感性的方式介入到學習當中，如應用學生的現有材料，幫助學生逐步改善其作品中的問題，並引導學生從新的角度去思考作品，應用多變的思維，多角度地尋找創作的新點。當代藝術創作中的材料語言情況較為複雜，常常出人意料，材料語言是藝術家與設計師對材料的選擇性合作，這種語言產生於創作之初，也可能產生於創作的全過程。過去，造型藝術專業的教學是建立在“寫生——適當的臨摹——寫生——最後入創造”這一程序下的。這種教學體系和方法的優缺點現在大家都已有所認識。藝術材料學課程就不強調寫生與臨摹，它最主要的方法就是由“構成”入手，有平面構成、半立面構成、立面構成、色彩構成、水墨構成、影像構成⋯⋯這些構成均緊緊圍繞材料、媒介這兩個核心進行，由材料構成的練習進入到運用綜合材料創作的層面。但是，與“構成”類課程又有本質的不同，其核心是由藝術創作中最基本的造型元素入手，進行組合訓練，由元素的組合啟發學生的創作性思維。它們包括了形態、色彩、材料、構圖和表現方法等方面的訓練，是體現現代審美觀念的教學手段。這種基礎的練習和研究可以是最粗淺的藝術嘗試，如“七巧板”，也可以直接進入高層次的研究和創作，如抽象繪畫，啟發學生的潛能和創造性思維。在以構成為主的教學方法中，我們還設計了專題的訓練以及針對情感表達、主題表達、形式表達等方面的訓練。方法雖然多樣，但突出的是對藝術本體命題的理解和掌握。材料的抽象表達是通過材料的具體視覺形態和触覺形態感覺傳達給人類的，或者更準確地說，是人類通過材料的視覺形態和触覺形態，對其產生的心理反應。如木頭的麻木，鋼鐵的堅強、冷酷等。綜合材料藝術體現在多觀念的藝術與多觀念的設計之中，藝術的多觀念與材料的多樣綜合，兩者互為“理解”，互為支撐。在教學中我們讓學生們在藝術的多觀念中，體會材料如何從載體走向自我表現與觀念表現。四總結起來，藝術材料學課程在教學方法上的改進有以下幾點：第一，採用開放式的教學方法，培養學生的自主意識和創新能力，在挖潛上做文章。第二，強調突出每個學生的個人特點，強調每個人不同於其他人的地方，這是學生創造藝術的起點，也是藝術創作成功的落腳點。第三，從實際出發，從材料本身的美感與對比效果出發，尋找創作的靈感。第四，以建構主義教學觀進行創造力教學更有其契合性。不管任何學科，創造力的培養與啟發都是重要的教學目標；創意的思考活動原本就相當強調學習者主體性的彰顯，這與建構主義者在認識論所強調的立場相符；教學者的過度示範或模仿並不會充斥在整個教學活動當中，學習者本身的創造性活動一直被鼓勵著。第五，建構主義所主張的分組教學、學生間討論、作品報告與交互評論、賞析等活動，在強調創意的課程中不斷進行。綜上所述，個體認知發展與創造力表現的發展性的強調，能夠從另一種取向為藝術教育的創造力教學注入新的活力，使學生能夠與教師在創作教學過程中平等對話，才能促成教學領域課程資源整合的創造性成果。我們希望，就一些強調創意的藝術類課程而言，藝術教育的研究或教學者或許可以進一步針對不同藝術創作的形式與內容，以本研究作為一個鋪墊性的案例，進一步探討藝術教學中的各類關係。 Copyright © Michael Andrew Law 2008 – 2014 Note:All Michael Andrew law artworks, names, images, likenesses, slogans, gestures, trademarks, logos and copyrights are the exclusive property of LAW CHEUK YUI and its…

有藝術與科技的交叉融合

在綜合美術教育中如何適當地整合併重構教學資源，從而改善過去教學中存在的單一化傾向及學生創造力低下的問題。提出多樣性教學的可能與嘗試的方案，呈實踐經驗以供藝術教育研究者共同探討。當代的藝術教育是以提升人文素養,培養創新型人才為目標, 這就要求美術教工作者在實施教學的過程中應強化大美術的教育理念, 特別要注重課程本身結構的優化與調整。課程結構往往直接體現人才的培養規格，決定人才的知識結構、能力結構和素質結構，是提高人才質量的關鍵。過去，我們的課程存在一些重專業、輕人文，重技能、輕理論，分科過細、專業面過窄的現象，不利於學生的全面發展。而根據現代學科發展的整體化、綜合化趨勢，要求教育者應積極調整，注意課程的內部結構調整與優化，促進教學的進一步深化，幫助學生髮揮自我的能動性。一從西方藝術教育和創作的現狀看，視覺藝術已經把多種邊緣學科容納進來，對交叉學科進行融會貫通，藝術創作呈現越來越多樣化的趨勢，不僅吸收東方藝術的養分，還在原已引入的攝影、音像、信息、多媒體藝術的基礎上，將視覺藝術與當代其他的藝術形式進行交叉研究，如文學、音樂、戲劇、舞蹈、電影，等等，此外，還有藝術與科技的交叉融合⋯⋯綜合材料與媒介是現代藝術變革的產物，它是從審美觀念、方式、媒介和技法上都緊緊圍繞對傳統的變革而進行的，從而表達了一個現代人對藝術進程、現代生活的看法。俄羅斯藝術家弗拉基米爾?塔特林早在20 世紀20 年代就提出了“材料時代的來臨”“材料即資訊”的名言，藝術充分地沐浴著機械技術的恩惠，以“動態”為特徵的各種形態的藝術成為了人們關注的中心，成為新時代的美學。藝術與邊緣學科融合交叉的研究成果，在當代國際各種大型視覺藝術展上，已經屢見不鮮。由材料媒介這個線索入手，進一步研究當代藝術的創作與教學，藝術材料學是我們目前藝術教育走向當代的一種嘗試、一個腳步。相信隨著實踐的開展、時間的推移，這種嘗試必將由其對新的材料與媒介的採用，帶來更深層次的藝術觀念的變化，從而使藝術表現的範圍也更加廣泛。我國的藝術院校從20 世紀初開始出現綜合”，先是中國畫與西洋畫的融合，20世紀末期才在一些具有新意識的藝術院校裡開設了“綜合材料”的藝術實驗課程，尋求將美術課程與邊緣學科相結合的新型教學模式。如央美術學院開設了實驗藝術工作室，四川美院和廣州美院都開設了當代藝術實驗性課程。傳統的美術教學最通常的一種訓練方法是拿已經創造好的樣式、語言和媒介進行教學，讓學生充分掌握各可能掌握的繪畫技巧，學生學到多少技巧是主要的，但能否“創造”便是以後的事了。這種只傳技不傳藝的教學模式所造成的結果便是學生在以後長期的藝術活動中創作力低下，這是我國目前藝術教育中存在的一些問題。藝術材料學課程就是深圳大學藝術系根據當前藝術教育的這種現狀，有意嘗試的一門新的教學實驗課，它的實質是一門綜合創作實驗課程，目的是讓學生接觸多元的藝術創作形式，研究多材料多手段的創作方法，喚醒學生對外部事物的藝術感知力，開發學生的藝術創作潛能，讓學生在更廣泛的文化情景中認識藝術表現的豐富性和多樣選擇性，學會探索與發現，發展學生的綜合創造能力，並且在課程教學中積極尋求新的教學方法。因此，這不是一門普通的實驗課。跨專業的教學方式有利於開闊學生的思路與視野，提高學生在創作過程中的全面把握能力及多方合作協調能力，注重學生對創作的理解，對畫面設計與社會因素的關聯性研究，對歷史的關注，以及對學生思想的深度挖。教學生如何思考觀察，而不是簡單地如何去做！畫家陳心懋曾經概括地說： “藝術材料學課程是目前中國藝術教育的一個窗口，通過這個窗口，讓我們接觸、了解和研究現當代藝術。”①綜合材料既不是一種藝術流派，也不是某種藝術的主義，但是，它在中國仍有走進世界現代藝術與後現代藝術的直接意義，綜合材料的藝術表現已成為先鋒前衛的藝術作品。二我們“藝術材料學”課程的教學目標思路很明確：第一，它應是當代性的，與當代社會有機地結合；第二，講究教學的科學性，而不是可以任意地無根據地教學；第三，它應以啟發學生的創造性思維為主要目的；第四，它將綜合各種美術門類的訓練方法，強調理解藝術與繪畫的本體，淡化各畫種之間的區別，最終有效地突出創作者個人對藝術的理解，從而提高學習者的素質，獲得獨立創作的能力。課程初期，積極引導學生在明確整體框架、結構的同時，還要在微觀上將造型元素與材質進行分解和組合（如鐘曦老師將紙這一創造的基本元素，根據造型的元素配合要求，分成多種感官度，培養學生對各種材料肌理紙張的充分運用與想像，培養學生對紙及其工具的直覺體驗及造型空間、聯想創意的表現意識與能力），打破簡單的理論描述，採用解構、重構等方法，讓學生沿著不同的自我直覺去體驗、創造、再體驗、再認識、再創造⋯⋯並講解多種藝術體系的風格，多種不同的美術文化，使課程走出傳統的固有模式，鼓勵學生綜合運用繪畫、雕塑、裝置、攝影、影像類方法，用不同的材質表達獨立的思想自己的慾望，既激活了他們的創造性思維，又提高了學生對文化的辨別力和批判力。 “鼓勵學生主動去思考知性學習與實驗教學之間的關係，解決當代文化的現實問題，從而幫助他們發掘自身潛質，來達到專業的技藝指標與當代的多元視角之間的平衡”。 ②當然，這一方面需要我們教師自身俱備進行創新思維教學的資源與能力，對自身的知識結構有更高的要求。 Copyright © Michael Andrew Law 2008 – 2014 Note:All Michael Andrew law artworks, names, images, likenesses, slogans, gestures, trademarks, logos and copyrights are the exclusive property of LAW CHEUK YUI and its subsidiaries. All other trademarks, logos and copyrights are…

創意到實現的過程

黑白畫藝術在傳統繪畫中的運用在人類視知覺中這個世界是多彩的。在牛頓用三棱鏡發現光的顏色有7種色彩之後,崇尚自然的印象派畫家在龐大的色彩家庭中把黑與白摒除在色彩之外。在色彩教學中有兩種觀點常常發生衝突,一種是要求學生不要使用黑色,理由是在光影下的物體顏色變化多種多樣,唯獨沒有黑色,所以一定要摒棄它。另一種觀點認為任何顏色都有它存在的意義,黑色在光線的作用下同樣是變化豐富,並且用黑色可以調出許多不同的灰色。筆者比較同意後一種觀點。當黑與白成為一種獨立的造型語言,表現出超脫出色彩世界的另一種美來時,也就產生了黑白藝術。在黑白藝術中,複雜的色彩被簡化,分為兩極,在這兩個極色中蘊含了色彩之內和色彩之外的修煉與再生之道。用黑白的眼光看世界,黑白無處不在。光照之下物體顯露出明暗關係,固有色的深淺差異,均可概括在黑白兩色之中。太極陰陽是我國哲學意識之根源,陰陽兩極同時又是黑白兩極,黑與白是辯證的對立統一的兩個極端,也是構成黑白藝術的客觀依據。即便是色彩藝術,甚至雕塑作品中,也可見隱含在其中的黑白的作用。色彩明度、純度之差,也是可以轉換成黑白的深淺層次變化,它們在造型上的要求是相同的,而雕塑家在創作過程中必然要考慮作品在光照之下的明暗效果,作品所呈現的明暗關係,是形體與質感的可視條件,這就是黑白關係。各類美術形式中的明暗關係處理,明度的對比變化,都可用黑白的語言來表達。中國畫講墨分5色,傳統素描講5大調子,繪畫是由黑白帶到人類世界的,黑白永遠是世界任何繪畫藝術的靈魂。在中國傳統繪畫中,黑與白不但是構成畫面形式美的主要因素,而且往往還被賦予了多種含義,“畫以水墨而成,能肇自然之性,墨為陰,白為陽,陰陽交構自成造化之功。”黑白概括了自然界的生命形式,陰陽化生萬物,黑與白在中國繪畫中無不體現著中國人的哲理、神思與獨特的想像。黑白藝術教學中的黑白灰、點線面、黑白的語言、重複漸變、運動節奏、對比與統一、空間、構圖、誇張與變形、虛與實、明暗、剪紙、視覺特性、形狀、黑白形與物象形、黑白的運動方向是其核心內容。黑白藝術中又常以單純美、質樸美、繁複美、古典美、現代美、稚拙美、強烈美等美感特徵對作品視覺感受進行黑白描述,黑白的單純不等於簡單,以少勝多,以簡潔求得豐富內涵。黑白畫作品除去單純、質樸的藝術特色以外,在強烈黑白衝突下的會產生一種新的和諧。色彩作品可以用色彩、佈局、內容取勝,而黑白藝術就只有在佈局、內容兩方面取勝,追求視覺衝擊力是黑白畫的重要目的。黑白畫藝術在出版繪畫中的應用 (一)我們首先以黑白人物畫為例,完成一幅黑白人物畫從創意到實現的過程,要求黑白人物畫具備兩個特徵:一是直觀性強,無論是何種動態都會給觀者感受到其美感;二是人物畫這個題材是人們最容易理解的,無論是雕塑般的靜止還是將人體形態大幅度的誇張,都能引導大家體會到眾多的形態感引起共鳴,同時人物畫又具備豐富的創作資源。完成黑白人物畫首先我們應熟悉了解點、線、面的語言特點以及不同材料在黑白畫中不同的表現效果。點是最自由的藝術語言,在面積上可大可小,形像也可以自由變換。點不僅可以表現形態的明暗和肌理,不規則的點還有抽象的品質,耐人尋味。線則可以看成是點的連續,它具有很強的方向性、動態感以及力度感。在某些特定的形體中,線的表現會超出其他形式表現的局限。線的表現非常豐富,長短、粗細、曲直、疏密、單線、組線、不規則等都會呈現出各不相同的風格和特徵,因此線是黑白畫中最重要的表現手段。我們可以理解面為擴大的點和線,是點和線不規則形態的延伸,或者是點線的組合體。在畫面裡具有簡潔明了、醒目大方的裝飾美感,同時形態各異的面與面之間的組合也可以呈現不同的畫面效果。總之,點、線、面之間的聚散、疏密構成了一幅幅千變萬化的黑白畫。其次,如何進行構思與構圖是一幅黑白畫的靈魂所在。構思是讓創作者依靠自己的知識和生活經驗開動腦筋,展開想像,根據審美原理將黑白畫的特點應用於畫面中。選擇最具有吸引力、最感人的場面進行表達。在定稿過程中是需要製定很多小稿子的,綜合眾多小稿,相互對比,結合各張小稿的優點最終制定一張正式稿。在製定畫面人物形象方面,在現有的形態上可進行人物造型、裝飾等特點進行深入研究,不斷篩選素材,使形象更理想、更完整。在此過程中要注意裝飾語言的一致性和統一性,在視覺上相互協調,切忌畫蛇添足。最後,則是注重細節的整體創作的階段。現代黑白畫已經突破了傳統繪畫的要求,其表現手法豐富多彩,風格多樣。恰當的構圖、新穎的構成感可以給畫面帶來不同的效果。在新的理論下,可以用很放鬆的心態對待作品。大膽表達自己的思想和創意,給自己一個自由創造的空間,同時在各元素都具體化的同時也要注重細節,確保作品的完整性。 (二)黑白畫藝術在出版傳媒行業的應用由於出版繪畫藝術是為出版傳媒行業服務的,在這個前提下的黑白畫並非純粹的繪畫作品,在現代設計領域,以黑白形式表現的畫面常被作為純粹的設計作品在現實生活中直接使用,多數是各種各樣的廣告作品。設計家有時將一個別緻的廣告創意通過黑白的表述形式付諸實施。以黑白畫形式設計出的廣告作品,畫面給人以強烈的震撼,視覺衝擊力也較強。擇取黑白畫的表現形式作廣告設計的表述功能有3大優勢:一是明快、大方的黑白畫可使廣告更為直觀和響亮;二是逼真、細緻的繪畫手法可使廣告形象達到高度真實;三是黑白抽象的構成畫面更可為廣告設計增加內涵。巧妙而藝術地發揮黑白畫在現代廣告中的作用,不僅顯示出設計者俱有獨特創意的眼光,而且能讓我們從更深層次上認識黑白畫在現代設計領域中所佔的重要位置以及它獨特的藝術審美價值。當今社會早已進入了信息化時代,黑白畫涵蓋了書籍、雜誌、電子出版物、廣告、包裝、服飾、展示等諸多領域。近年來黑白畫以及出版繪畫的應用範圍仍在不斷擴大,市場潛力巨大。各行業對高素質出版繪畫人才的需求也日趨強烈。除此之外,黑白畫在書籍中以插圖的形式廣泛傳播。黑白畫的一個重要特點就是它具有很強的裝飾性,可以作為插圖在書中起到畫龍點睛的作用,讓一本書籍的內容變得生動鮮活。在商業插圖中,隨著現代商業插圖形態日漸多樣化,黑白畫的介入使其具有附加說明、吸引說服消費者的作用,為不同的客戶群服務。同時黑白畫的獨特表現形式和效果,使畫面具有了很強的諷刺、幽默、象徵、誇張的戲劇性,大大刺激了人們的視覺感受。在藝術品市場,以黑白畫為基礎的裝飾物品也受到消費者的十分喜愛。作為國內的藝術院校,加強對黑白畫藝術的研究,培養出具有更高品質綜合能力的人才,對於推動文化創意產業的發展有著積極的推動作用。

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